Hoy queremos hablaros de When The Wind, un proyecto realizado por Gonzalo Golpe, quien llevo la inteligencia artificial a otro nivel. Golpe no define su obra como un fotolibro porque la IA que ha empleado carece de ética y solo guía aquellas instrucciones que le manda para hacer imágenes. Todas ellas han sido generadas gracias al poder de la informática, el autor las define cómo imágenes sintéticas, ya que son creadas a partir de imágenes y metadatos previos asociados con las instrucciones que le pedimos.
«Definir este tipo de imágenes es complejo, ni siquiera sé si lo entiendo del todo, pero hay que tener claro que no son producto de una máquina “collagera”, no hay una persistencia visual de las imágenes que le sirvieron de simiente.»
Gonzalo es uno de nuestros profesores en el Máster Online en Nuevas Narrativas Audiovisuales de LABASAD, es licenciado en Filología Hispánica, diplomado en Edición y Publicación de Textos por la Universidad de Deusto, especialista en autoedición y producción gráfica.
El hecho diferencial de la obra de Gonzalo Golpe es que ha sido uno de los primeros libros del mundo en los que se ha utilizado la Inteligencia Artificial de Dalle-2 como principal herramienta para generar las imágenes del proyecto.
Gonzalo siempre estuvo Interesado en la autopublicación, el lenguaje y la narrativa fotográfica. Aunque su trabajo se ha desarrollado fundamentalmente en el mundo del libro de arte; también ha participado en el desarrollo de aplicaciones digitales, webs de autor y comisariado de proyectos expositivos.
El proyecto de Golpe lanzado el 5 de junio, quiere mostrar al mundo un discurso visual sinestésico en un contexto de tristeza. Un extraordinario trabajo semiótico y siniestro con un halo de melancolía usando los tonos flúor que caracterizan a este tipo de modelos donde relata una fábula distópica donde busca estimular al espectador a observar los miedos de nuestra sociedad y cuestionarse el modo en cómo usamos la tecnología.
Utilizando la estructura de una narrativa clásica de ciencia ficción postapocalíptica, Gonzalo hace uso de la inteligencia artificial para generar imágenes a través de prompts para la creación de su obra melancólica, misteriosa y sutil, en las que las imágenes son editadas y secuenciadas con un sentido musical de la composición visual.
«Me enfrenté a cientos, tal vez miles de imágenes para al final reducirlas a menos de sesenta. Tenía claro lo que buscaba y no era solo con los ojos que lo reconocía, trataba de escuchar a esas imágenes, sentir su abandono…»
En la obra de Gonzalo Golpe, quiere transmitir el sentimiento de la tristeza y abandono.
El autor se posiciona a favor ante esta tecnología tratándola como una herramienta, aunque nos recuerda que tanto la imaginación como la poesía son elementos que no se puede encontrar en la IA sino que proviene del pensamiento más íntimo e intrínseco del propio artista donde quiere contar aquello que le importe y quiere dar a conocer. El hecho de que Gonzalo Golpe tecleó todo aquello que quisiera obtener a través DALL-E 2, convierte When The Wild en una obra con propiedad de autor.
Tal y como explican en la entrevista eldiario.es, Golpe destaca que la IA:
«La IA no es inteligente en términos humanos, no tiene la capacidad de imaginar». «Somos superiores a las máquinas en facetas en las que difícilmente llegarán a alcanzarnos: como los pensamientos abstractos, la creatividad, la imaginación…»
Asimismo, el artista cree que es extremadamente necesario la creación de controles legislativos en torno a estas herramientas super-potenciadas por inteligencia artificial, capacidad para identificar aquellas imágenes que han sido creadas por IA.
«No entender lo que supone llamar a estas imágenes sintéticas ‘fotografías’, es peligroso.»
El hecho que este tipo de programa haya sido entrenado por fotografías, donde en su mayoría, tienen derechos de autor ha supuesto que una de las agencias de fotografía más populares, Getty Images, haya ha denunciado a la empresa propietaria de la IA generativa que está infringiendo el derecho a propiedad intelectual de millones de imágenes con copyright.
«Debemos esperar más de quienes toman decisiones sobre el uso de esta tecnología, debemos exigirlo. Para ello se necesita concienciación, conocimientos especializados, reflexión, eso está claro.»
Y tú, ¿Qué opinas acerca de la Inteligencia Artificial? ¡Seguro que nos depara un futuro prometedor! Si quieres aprender con profesionales como Gonzalo y quieres saber más información sobre el Máster Online en Nuevas Narrativas Audiovisuales, puedes mandar un mail a [email protected] y nuestras asesoras estarán encantadas de atenderte.
Toni Amengual y Laia Abril han sido reconocidos al mejor fotolibro del 2022 por Lens Culture, la prestigiosa plataforma online dedicada a las tendencias de fotografía en arte
Portada de ICONA de Toni Amengual
UN PROYECTO TOCADO POR LA PANDEMIA
El proyecto ICONA de Toni Amengual queda plasmado en un fotolibro de 66 fotografias en la que nos muestra la ciudad de Roma desde una perspectiva distinta. La capital italiana es uno de los referentes del turismo a nivel mundial y el ensayo de Toni Amengual nos muestra cómo la realidad de la pandemia afectó considerablemente a la ciudad. En un principio, la idea del director del Máster Online en Nueva Fotografia Documental fue buscar la relación que tiene la producción de imágenes históricas de la ciudad con la producción actual dada por el turismo de masas. Sin embargo, con el impacto del Covid-19, el proyecto viró en la muestra de la relación entre el patrimonio artístico de Roma i la creación contemporánea de imágenes del antes y el después de la pandemia. Una reflexión de cómo las imágenes nos constituyen, ya sea en piedra, como las esculturas, o en imágenes en pantallas, como las fotografías.
Portada de On Rape: And Institutional Failure de Laia Abril
UNA MIRADA CRÍTICA AL MUNDO
Por su parte, Laia Abril presenta en On Rape: And Institutional Failure su última entrega del proyecto On Rape. Se trata de la segunda entrega del proyecto y busca hacernos reflexionar sobre la cultura de la violación que sigue presente en nuestra sociedad. Laia pone al descubierto, página tras página, las prácticas y culturas de este desagradable acto, además de poner al descubierto el modo en que la sociedad actual sigue cuestionando y, en algunos casos, desacreditando las víctimas de una violación. La profesora del Máster Online en Nueva Fotografia Documental no solo se fija en los casos de nuestro país, sino amplía su mirada a nivel mundial y nos muestra los prejuicios y conceptos que han hecho perpetuar la cultura de la violación.
LENS CULTURE, UN REFERENTE FOTOGRÁFICO
A lo largo de sus 18 años de vida, la revista Lens Culture ha estado comprometida en ayudar a la difusión de los fotógrafos de todos los niveles a crecer profesionalmente. La revista digital se ha convertido en un espacio de referencia para descubrir nuevos trabajos de fotografia de alrededor del mundo y un sitio a tener en cuenta para descubrir nuevos talentos. Ser seleccionado por Lens Culture es, sin duda, sinónimo de difusión internacional. Y medios como BBC, The Gaurdian o Vice, entre otros, se hacen eco de los trabajos fotográficos.
Imagen del proyecto de Laia Abril
Imagen del proyecto de Toni Amengual
Imagen del proyecto de Laia Abril
Imagen del proyecto de Toni Amengual
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A menudo oímos por los medios de comunicación o redes sociales, que la impresión 3D ha estado revolucionando el mundo de la industria en las últimas décadas.
Pero muchos, mirando a su alrededor se pueden llegar a cuestionar dicha épica proveniente de los medios, viendo que en su realidad cuotidiana ningún objeto con el que interactúan, está fabricado mediante técnicas de manufactura aditiva. El mouse que el lector está utilizando para hacer scroll down seguramente se habrá fabricado mediante inyección de plástico. El chasis o carcasa del MAC a través del cual uno puede estar leyendo estas líneas, mediante mecanizado de aluminio.
Así pues en las siguiente líneas, me gustaría desgranar en que escenarios tiene sentido utilizar la impresión 3D (fabricación por adición selectiva de material) en vez de métodos de fabricación tradicionales como los métodos sustractivos (fabricación mediante arranque de material como el mecanizado) o formativos (fabricación mediante utillajes o moldes, como la inyección de plástico).
Por Oriol Bertomeu, Design Engineer y Profesor del Máster Online en Diseño de Producto de LABASAD.
Los métodos de fabricación formativos están pensados para dar respuesta a volúmenes masivos de producción. Y cuando se trata de series cortas, la fabricación sustractiva es la adecuada por su bajo coste.
¿Entonces, como compite la fabricación aditiva con los métodos tradicionales? En bajo volumen de producción y complejidad geométrica.
La fabricación formativa, por la naturaleza intrínseca de disponer de un molde, siempre de coste elevado, no se será eficiente en la fabricación de series de producción cortas ya que el productor buscará la máxima amortización de este mediante la fabricación en masa de piezas. Uno podría pensar que, como alternativa tenemos las tecnologías sustractivas, pero su limitante es la reproducción de complejidad geométrica.
Hasta este punto, viendo que la impresión 3D nos brinda las ventajas de producir series cortas y alta complejidad geométrica, empecemos desglosando en que contextos tiene sentido implementar la fabricación aditiva.
El primer escenario se centra en presentar contextos de series cortas, argumentado en tres ejemplos distintos.
El primer caso se enfoca en el ámbito del diseño industrial. Todo diseñador de producto, como metodología, aborda sus proyectos con múltiples pruebas de concepto para un reto concreto. Estos conceptos empiezan como bocetos sobre papel y más tarde se traducen, mediante herramientas de modelado digital software 3D/CAD, a modelos digitales. Estas herramientas, aunque muy útiles para el óptimo desarrollo de un proyecto, les falta la experiencia aptica del tacto. Por este motivo, muchos profesionales del diseño materializan sus modelos conceptuales con el fin de validar distintos parámetros tales como proporciones o la ergonomía. Esta materialización, como serie de producción corta, se lleva a cabo mediante.
El diseñador industrial Jordi Plà lo puso en práctica en el proceso de diseño del premiado multibottle opener para la empresa WMF.
A la derecha, el modelo conceptual fabricado mediante impresión 3D de polímeros
A la izquierda modelo definitivo del multibottle opener. Fuente: Jordi Pla Studio
En el ámbito de la ingeniería mecánica, el uso de la impresión 3D también es útil en la fase de validación, mediante impresión de modelos técnicos que permitan validar la fase conceptual de una maquina sin tener que invertir en utillajes para la fabricación de estos, tales como moldes de inyección de plástico o moldes de arena para la fabricación de modelos por fundición. Un ejemplo es la empresa Vins Motors, fabricante de motocicletas de alta cilindrada, que apostó por fabricar ciertas piezas de su primer prototipo de motocicleta, la Duecinquanta Competizione, mediante fabricación additiva, justamente para ahorrar en el desarrollo de su primer modelo.
Modelo de motocicleta de carreras Duecinquanta Competizione
Fuente: Vins Motors
Para concluir con este apartado, otro entorno profesional que se ha beneficiado de la impresión 3D en el escenario de modelos de representación, han sido los hospitales. Mediante elementos de diagnóstico tales como los TAC (tomografía axial computada) se digitalizan órganos de pacientes, que posteriormente pueden ser impresos como modelos quirúrgicos para ser utilizados como herramientas de estudio y planificación para intervenciones. Esa misma metodología utiliza el hospital St. Joan de Deu en Barcelona, el cual a día de hoy ostenta una media de 200 intervenciones planificadas mediante impresión 3D. En este contexto, se trata de series muy cortas ya que los órganos son únicos para cada paciente y además de geometrías muy complejas difícilmente reproducibles en otras técnicas productivas.
Modelos de riñones fabricados mediante impresión 3D en el marco del proyecto Quirófam. Fuente: Quirofam Project / Fundació CIM
En este siguiente punto repasaremos los escenarios en el que la fabricación aditiva se enfoca a la producción de productos funcionales.
El primer escenario se enfoca al mercado de producto personalizado, individualizado y a medida de cada usuario. Un ejemplo es la compañía española UNYQ, que fabrican covers para prótesis de pierna adaptadas a la medida de cada usuario. Se trata de un producto de bajo volumen de producción y alta complejidad decorativa. Ciertos diseños podrían llegarse a producir mediante mecanizado, pero se trataría de un alto derroche de material, en cambio mediante impresión 3D, solo se utiliza el material necesario para una producción optimizada.
Ejemplo de cover para prótesis de pierna de la empresa UNYQ
Fuente: UNYQ
El otro escenario a presentar sería el de producto especializado, que responda a una necesidad a solucionar muy específica. Un ejemplo de producto especializado en la industria serían los llamados grippers. Los grippers son pinzas o garras artificiales que se conectan a brazos de robot industriales con la misión de realizar tareas de agarre automatizadas.
Esquemática básica de pinzas neumáticas industriales.
Fuente: Tameson
Muchas veces las pinzas comerciales no se adaptan a la necesidad del proceso a automatizar debido a la divergencia entre geometría en las que interactuar. En este escenario, la impresión 3D puede dar solución gracias al hecho que permite realizar pinzas más complejas capaces de adaptarse a un mayor rango de geometrías.
Un ejemplo muy conocido es el gripper que desarrolló la empresa especializada en automatismos y neumática Festo y que bautizó como Bionic Handling Assistant. Su departamento de I+D, tomando de inspiración como los elefantes agarran geometrías amorfas, desarrolló su propia garra con la capacidad de adaptar-se a distintas formas geométricas.
Ejemplo del Bionic Handling Assisitant de Festo.
Fuente: Festo
Finalmente, el último escenario que me gustaría introducir justifica el uso de fabricación aditiva solo por su nombre, los elementos de alta complejidad. Se trata de productos que se han llevado al extremo de la optimización funcional, y que las únicas tecnologías de fabricación capaces de materializar la idea son las de fabricación aditiva. Se ejemplifica este escenario muchas veces con los canales de refrigeración de los moldes de inyección de plástico. Los moldes de inyección requieren de canales de refrigeración con el fin de disipar la temperatura del plástico fundido inyectado a presión, para solidificarlo y poder sacarlo del molde. Entre muchos factores, el tiempo de enfriamiento es importante ya que una menor demora se traducirá a una mayor cadencia de producción. Estos canales normalmente son agujeros rectos, mecanizados en el molde, y se entrecruzan entre si perpendicularmente. Esta metodología deja poco margen a la optimización de ciclo. Pero si recurrimos a la fabricación aditiva, podemos llegar a generar canales de formas orgánicas optimizados para maximizar la disipación de calor y ganar tiempo de ciclo.
A modo de ejemplo, la empresa especializada en la fabricación de moldes DME ofrece la posibilidad a sus clientes de optimizar sus moldes siguiendo esta metodología.
Todos los ejemplos de escenarios contemplados a lo largo del artículo son una pequeña muestra de todas las empresas u organizaciones que hoy en día ya están implementando la fabricación aditiva en su negocio. A medida que las tecnologías de impresión 3D se vayan refinando, nuevos escenarios de uso aparecerán y con ellos nuevas empresas verán el potencial en su adopción.
Oriol Bertomeu es profesor del Máster Online en Diseño de Producto de LABASAD. Si quieres más información sobre el Máster Online, puedes mandarnos un correo a [email protected] y nuestras asesoras estarán encantadas de atenderte.
Antes de decidir empezar un Máster Online, muchos son los puntos a valorar para estar seguros/as de la decisión: el programa del Máster, la metodología, la escuela, las opiniones de otros alumnos, los contenidos… ¿Y los profesores? Para LABASAD es fundamental que las personas encargadas de transmitir el conocimiento, combinen la docencia con su profesión, y por eso, todos los profesores de LABASAD son profesionales en activo en el sector.
Que los profesores sean profesionales en activo en el sector, permite a los alumnos/as poder aprender, no sólo los conceptos más técnicos o teóricos, sino también cuestiones del día a día del sector al que van a querer trabajar, y esos pequeños detalles tan importantes que solo te puede transmitir alguien que está en activo actualmente.
Un ejemplo de ello es Andrea Soto, Interior, Product and Experience Designer. Andrea, combina ser profesora en el Máster Online en Diseño de Interiores y Hospitality de LABASAD, con su labor en su propio estudio Andrea Soto.
«Cada proyecto es un reto y de todos se aprende algo nuevo. Lo más importante no dar nada por sentado. Preguntar mucho, y confirmar todo punto a punto.»
Andrea Soto.
Andrea ha trabajado para clientes como el Bulli, para la creación de la exposición BulliLab y Bulli 1846, diseñando el nuevo espacio expositivo del Bulli así como nuevos restaurantes de los hermanos adrià, y también para clientes como Hotel Majestic, Bernadi, Showroom para Delicat, Showroom Finfloor para la marca Finsa, Mirablau o Bar llanterna del Auditorio de Barcelona.
Proyecto de Andrea Soto para El Club dels Aventurers.
Del mundo del interiorismo pasamos al mundo de la fotografía, para hablar con Asier Aristregui, retoucher & CGI Generalist y profesor del Máster Online en Retoque Fotográfico y Postproducción Digital de LABASAD. En su trayectoria profesional, Asier ha trabajado con clientes y proyectos distintos, desde proyectos pequeños hasta proyectos de mayor envergadura, y tal y como él nos cuenta:
«Siempre digo que tanto los clientes de renombre como los más pequeños son proyectos en los que se puede crecer muchísimo.»
Asier Aristregui.
Asier ha trabajado en el sector de la moda, y actualmente está sobretodo centrado en el sector de la publicidad y al de producto, sumándole el CGI al retoque. Dentro de estos sectores, Asier ha realizado portadas de todo tipo, desde Vogue, Harper’s Bazaar, L’Officiel, Men’s Health, pasando por publicidad para diversas marcas de perfumería, calzado, elementos del hogar o incluso grandes bancos.
Proyecto de Asier Aristregui para Harper’s.
Con toda esta trayectoria, Asier nos explica que ha habido momentos de amor/odio, en los que ha podido aprender mucho, y nos comparte la siguiente anécdota:
«Una anécdota que recuerdo con fuerza es la primera vez que trabajé con un director creativo a mi lado dando indicaciones. Estuvimos prácticamente un día entero para crear digitalmente el gloss de unos labios. Con este director creativo aprendí gran parte del gusto estético. Era habitual que visitara el estudio, imprimieramos las imágenes a gran tamaño y que hiciera las indicaciones sobre las mismas. Guardo una de esas copias de una imagen con las indicaciones con lápiz verde. De hecho, la tengo enmarcada y colgada en casa. Me recuerda a esos primeros años en los que pasaba horas aprendiendo y ‘peleándome’ no tanto con la técnica, si no con el gusto. Una de las cosas más importantes que debemos desarrollar como retocadores y retocadoras.»
Asier Aristregui.
Cambiando de sector encontramos a Miguel Ángel del Baño y a Beatriz Suárez, socios fundadores de Estudio MABA y Codirectores del Máster Online en Diseño Estratégico de Packaging. Sus proyectos en MABA han sido galardonados con Pentawards, Laus o A’Design Award, y ambos combinan su trabajo con la docencia.
Miguel Ángel y Bea nos explican qué es lo que más les ayuda como profesionales a preparar las clases, para poder transmitir toda su experiencia profesional:
«Participar en las clases o en las charlas es algo que a nosotros nos ayuda muchísimo, porque nos permite unificar y a alinear el discurso, y a la vez determinar y ordenar bien nuestro proceso para luego poder explicarlo y que la gente lo entienda, lo pueda utilizar y luego poner a prueba.»
Miguel Ángel del Baño.
Además, nos destacan la diversidad de cada proyecto y la importancia o envergadura que puede tener cada proyecto, independientemente del cliente que haga el encargo:
«Cada proyecto es singular por unas razones o por otras, cualquier proyecto puede ser especial y no tiene nada que ver con la envergadura del proyecto o del cliente. Hay proyectos muy grandes que te ponen a prueba en algunas cuestiones y te ponen a prueba como profesional precisamente porque tienes que desarrollar estas habilidades y resistir en el tiempo toda la carga que el proyecto tiene.
Lo importante no es lo grande que puede parecer un proyecto sino el recorrido que hacemos juntos. Al final, el éxito del proyecto se mide con el éxito de la empresa con el resultado.»Beatriz Suárez.
Proyecto de Estudio MABA para Ron Santaren.
Como tratar con los clientes, como definir tus tarifas, las nuevas tendencias, cómo afrontar bloqueos creativos, cómo gestionar los encargos… Todo ello, situaciones que te podrán enseñar a afrontar los profesores del Máster, que además de ser docentes, son profesionales en activo en el sector, y conocen la profesión y su día a día.
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Hoy queremos hablaros de un proyecto lanzado por uno de los profesores que dan clase en LABASAD, y que nos hace mucha ilusión poder compartir. Iván Jimenez, diseñador gráfico y director de arte, es profesor del Máster Online en Diseño Web y App: UX/UI de LABASAD, y ha lanzado, junto a Txema Montero, el proyecto Odd Kiosk, el primer quiosco de cultura Queer de Barcelona.
El proyecto nació durante la cuarentena: Iván y Txema, se dieron cuenta que, en un momento en el que la ciudad estaba desierta, uno de los pocos negocios que podían abrir eran los quioscos. Aún así, muchos quioscos estaban cerrando, y ambos compartían cierta sensibilidad por el mundo de los quioscos y las revistas. De hecho, Iván, fundó la ahora ya extinguida Agapornis. La pasión por este mundo les llevó a abrir Odd Kiosk, un quiosco Queer situado en el centro de Barcelona, tal y como explican ambos en este reportaje de la revista Traveler.es:
«Se nos ocurrió que queríamos hacer algo juntos, algo nuevo y diferente«, explica Iván. La espinita estaba incrustada pero la cuestión era: ¿qué hacer? «Los quioscos eran de los pocos negocios que seguían abiertos en esos días y a partir de ahí enlazamos todo. Somos miembros del colectivo LGTBI y decidimos ser una voz para dar a conocer a los artistas que lo componen y que actualmente no existe.»
Txema e Iván en Odd Kiosk. Fotografía de César Segarra.
Su nombre es un juego de palabras que combina el concepto «odd» (raro en inglés) y kiosk, haciendo referencia a la cultura Queer. Ellos quieren llevar la cultura a la calle, recuperar sitios abandonados de la ciudad, generar espacio de unión social, y sobretodo crear una plataforma segura para dar voz al colectivo LGTVIQ+.
El quiosco ofrece una amplia selección de libros, fanzines, arte, revistas y snacks, y está abierto al público de lunes a martes de 8h a 14h y de miércoles a domingo de 8h a 14h y de 17h a 20h.
Y, a quién va dirigido Odd Kiosk? Iván y Txema lo explican en esta entrevista a Traveler.es:
«Tenemos dos públicos: los vecinos que compran diarios y los que se lanzan a probar nuestras cookies de Demasié, o una marca de kombucha que tenemos y que elaboran dos chicas en Badajoz, las patatas gourmet del País Vasco o Aguaencaja; y luego, gente más joven y alternativa, como nuestros amigos y el target que se entera de nosotros por Instagram. […] Los vecinos del barrio se sorprenden y nos dicen ‘vaya cambio le habéis dado’ pero en realidad lo que hemos hecho es tocarlo poco y dejarlo tal cual es. La acogida ha sido increíble. Estamos súper alucinados».
Odd Kiosk, fotografía de César Cegarra.
Iván y Txema creen firmamente que «el papel no ha muerto» tal y como parecía ser. De hecho, ellos mismos defienden que su reinvención no ha hecho nada más que empezar, tal y como explican en Traveler.es:
«Creemos que nuestra generación –Iván y Txema tienen 34 y 32 años, respectivamente– volvió a recuperar el papel. La que está detrás de nosotros lo ha perdido un poco frente al ordenador y los móviles pero, curiosamente, estamos viendo que estos fanzines los hace gente muy joven.»
En LABASAD nos encanta compartir con todo el mundo los proyectos, logros y novedades de nuestros/as alumnos/as y profesores/as y hoy, aprovechando que Sant Jordi está a la vuelta de la esquina, queremos destacar cinco libros hechos por profesores de LABASAD que consideramos que os pueden interesar.
«Trabajar en equipo es algo enormemente gratificante, pero también enormemente complejo. Tras muchos años de experiencia en la facilitación de procesos de creación en grupo, el autor ha sintetizado en este libro una eficaz metodología que sirve de guía para evitar los habituales puntos ciegos, errores, desequilibrios y amenazas que pueden obstruir el proceso y bloquear al equipo.»
Alejadnro Masferrer es profesor del Máster Online en Crestividad Aplicada de LABASAD, del Máster Online en Dirección de Arte en Comunicación y del Máster Online en Dirección Creativa en Comunicación. En este libro, Alejandro te cuenta como Co-Crear en equipo. ¡Entra aquí si quieres descubrir más sobre su libro!
«If there is a place to believe in magic, Iceland must be that place.»
Con esta frase sentencia Bego Anton la presentación de su libro, un libro que creó, como ella explica, haciendo un viaje de norte a sur y de este a oeste de Islandia, buscando lugares dónde la magia existiera, y las personas que son capaces de verla. Bego Anton es fotógrafa y profesora del Máster Online en Fotografía Documental de LABASAD. ¡Entra aquí para tener más información sobre el libro!
«Good Luck with the Future is a journey of infinite paths, with a critical starting point and an uncertain destiny. It began as an exploration on how our generation lives and feels the future, to finish in an attempt to discover how do we perceive it ourselves. The project is about what could be, and what will be, although we do not know yet. What will never be, and also of what has been suddenly, without expecting it.»
Seguimos con la fotografía para recomendaros el libro de Rita Puig Serra y Dani Pujalte. Rita es fotógrafa y profesora del Máster Online en Fotografía Documental de LABASAD, y éste trabajo invita a la reflexión sobre como las nuevas generaciones ven y sienten el futuro. ¿Quieres saber más? ¡Entra aquí!
«Manuel lleva años acumulando notas, apuntes en trozos de papel, en libretas, en cantos rodados, en troncos, en muros. A partir de estas observaciones, ha creado un lenguaje propio entre la poesía y la filosofía.»
Manuel Moranta ha lanzado su segundo libro tras el éxito de Te amordido un perro. Moranta en su obra mezcla desde la simple anécdota, el relato breve, el dibujo conceptual y el mundo de los signos. Manuel es profesor del Máster Online en Nueva Fotografía Documental de LABASAD. ¡Entra para ver más información sobre el libro!
«Un libro roto para un país roto.»
En el libro Nostalgia, Eren describe la ex-Yugoslavia en un proyecto editorial, en el que el autor utiliza diseño, fotografía y tipografía. Eren Saracevic es profesor del Máster Online en Nueva Fotografía Documental de LABASAD. Si quieres ver algunas de las imágenes del libro, ¡Entra aquí!
¡Esperamos que os gusten éstas recomendaciones! Si queréis más información sobre algún Máster Online o queréis contactar con nosotras, podéis mandarnos un email a [email protected] y nuestras asesoras estarán encantadas de atenderte.
El diseño de producto ha evolucionado al largo del tiempo, en paralelo con la sociedad y al compás de la indústria, y de ello nos habla hoy Jordi Pla, Diseñador de Producto y Director del Máster Online en Diseño de Producto de LABASAD.
Como consecuencia de la “Revolución Industrial” iniciada a mediados del siglo XVIII en Inglaterra, el concepto de Diseño Industrial empezó a tomar forma bajo el movimiento “Arts & Crafts”, que cuestionaba y criticaba la pobreza de los objetos que se producían mediante los procesos industriales. El máximo exponente de este movimiento fue Sir William Morris, considerado el primer Diseñador Industrial de la historia.
William Morris, la Diversidad en el Diseño de Producto
El movimiento fue evolucionando, pasando por “Les Arts Nouveau”, época donde Louis Sullivan manifestó que la forma sigue a la función. Otra de las influencias fue el “De Stijl” en Holanda y también cabe destacar la asociación Alemana “La Werkbund”, que dieron paso a La Bauhaus, escuela de arte, diseño, artesanía y arquitectura fundada en Weimar en 1919, por Walter Gropious. No podemos olvidar el revolucionario movimiento ruso de “El Vchutemas”, y en Estados Unidos, de la mano del emigrante francés Raymond Loewy, donde se incorporó el concepto “Styling”, que se generó a partir del movimiento “Streamline” y que surgió a consecuencia de la gran depresión, posterior al Art Déco, en los años 30.
Teteras eléctricas de Peter Behrens. 1909. Correspondiente a la época de “La Werkbund”.
Después de la Segunda Guerra Mundial, en Alemania en el año 1955 se fundó “La Escuela de Ulm”, heredera de la Bauhaus, en la que su rector el suizo Max Bill, también exalumno de la Bauhaus, definió un programa de estudios más orientado a lo “Estético-Formal” en detrimento de lo productivista-funcional. En Estados Unidos, en el periodo de la “Guerra Fría”, surgió el movimiento denominado “Good Design” con Charles y Ray Eames como máximos exponentes, padres de la Arquitectura Moderna que reinventaron el interiorismo de los hogares Americanos. En el mismo periodo, cabe señalar el fenómeno de “El Diseño Escandivano” reflejo de la cultura industrial de los Países Nórdicos, con los arquitectos Arne Jacobsen y Alvar Aalto como los más claros exponentes.
Silla Ant 3100. Diseñada por Arne Jacobsen en 1952 y producida por Fritz Hansen.
En los años sesenta se rompieron muchos de los estereotipos establecidos, se fomenta el consumo masivo y hubo la gran revolución del plástico. El arquitecto y diseñador Danes, Verner Panton, fue transgresor en aquel momento por la creación de la Silla Panton que fue la primera en ser producida a partir de una sola pieza inyectada en plástico, otro ejemplo es el Sillón Blown, inflable y realizado íntegramente en PVC, creado por el Studio D’Urbino, Lomazzi y De Pas. Todos ellos fueron unos de los muchos ejemplos de cambio y evolución que se dieron en esa década.
Sillon Blown diseñado por el Studio D’Urbino, Lomazzi y De Pas en 1967. Producida por Zanotta.
La historia de sucesos en el campo del diseño industrial es amplia y variada, con el objetivo de situar al lector , ya hemos enumerado algunos de los aspectos de la evolución del mismo. Entrando ya en el contexto del artículo, tenemos que constatar que actualmente el diseño de producto es un fenómeno global que se extiende más allá de las fronteras territoriales y de discursos elitistas. Actualmente esta práctica creativa, se ha diversificado en diferentes escenarios, y ello se debe a la necesidad de ampliar y definir nuevos horizontes. La voluntad natural de evolucionar y los propios límites de recursos y espacio, son los principales objetivos de un mercado, cada vez más imprevisible.
Hoy en día, los modelos de negocio que ofrecen servicios de diseño y desarrollo de producto, son variados y especializados. Encontramos centros de investigación que experimentan con nuevos materiales y con nuevos procesos de producción industrial. Uno de los centros más destacados es el MIT Media Lab, centro que forma parte del Massachusetts Institute of Technology, que lidera la profesora asociada Neri Oxman. Su equipo lleva a cabo investigaciones en la intersección del diseño computacional, la fabricación digital, la ciencia de los materiales y la biología sintética y aplica ese conocimiento al diseño en todas las disciplinas, medios y escalas, desde perspectivas micros hasta la escala de construcción. El objetivo de Oxman es aumentar la relación entre entornos construidos, naturales y biológicos empleando principios de diseño inspirados y diseñados por la naturaleza e implementando en la invención de tecnologías de diseño novedosas. Las áreas de aplicación incluyen diseño arquitectónico, diseño de productos, diseño de moda, así como el diseño de nuevas tecnologías para la fabricación y construcción digital.
Neri Oxman con un prototipo de piel estructural creado a partir de biopolímeros y producido con técnicas de impresión con brazos robóticos.
El diseño de producto está fuertemente influenciado por el arte. En las capitales mundiales encontramos museos y galerías especializadas en objetos singulares que responden a una experimentación material en base una inspiración artística. Entre muchos creadores, cabe destacar el trabajo de la holandesa Sabine Marcelis, esta diseñadora aplica un fuerte punto de vista estético en sus creaciones; De la mano de especialistas de la industria, su método de trabajo le permite intervenir en el proceso de fabricación utilizando la investigación y la experimentación de materiales para lograr nuevos y sorprendentes efectos visuales, para proyectos que son tanto exhibidos en museos, como encargados por clientes comerciales, casas de moda o galerías. Sabine considera sus diseños como verdaderas experiencias sensoriales y no simples obras estáticas: la experiencia se convierte en función, con una estética refinada y única.
Mesa Apilada diseño de Sabine Marcellis para Side Gallery. 2019.
El diseño de autor es un elemento clave, especialmente para las empresas que desarrollan productos en el sector del hábitat, iluminación, menaje… Estas empresas necesitan diferenciarse unas de otras para estar en el mercado, de otra forma nos encontramos que algunas de ellas mimetizan algunos de sus productos como consecuencia de seguir tendencias parecidas. Actualmente, las empresas líderes de este sector implementan, a nivel interno o externo, la figura de director creativo, cuyo objetivo es el de crear discurso interno y este ayuda a las empresas a generar cierta cultura industrial, que aporta discurso interno que aporta identidad y diferenciación a la empresa y, en definitiva generar cierta cultura industrial.
Externalizar los servicios de diseño a un estudio o colectivo independiente , es una parte esencial para la obtención de proyectos de diversidad singular , ya sea por criterios de influencia, especialización, transgresión o visión. Solo por citar alguno de ellos, por ejemplo cabe destacar la filosofía de Nendo, estudio japonés liderado por el arquitecto Oki Sato que afirma, que de la misma manera que la vida está llena de pequeños momentos de sorpresa y riqueza, sus diseños también buscan ese factor de sorpresa con la felicidad que esta conlleva. Quizás una perspectiva más peculiar nos la ofrece el español Jaime Hayon, con su visión mucho más artística y de fantasía. También tenemos el diseñador francés Patrick Norguet creador de diseños de sillería con un claro ejemplo de innovación y transgresión. Por último también cabe destacar al aleman Konstantin Grcic que busca diseños funcionales que se caracterizan por formas geométricas que sorprenden por su lenguaje y uso.
El diseñador Patrick Norguet con un prototipo de la silla Compas, producida por Kristalia.
El sector del mercado de gran consumo, por su complejidad en inversión e impacto, precisa de servicios de diseño integrales. Este tipo de productos como por ejemplo consumibles electronicos, packaging. Se pueden desarrollar internamente por departamentos de diseño propios o bien se externalizan en agencias de carácter multidisciplinar que ofrecen estrategia, innovación e implementación. Estas agencias configuran un colectivo de equipos multidisciplinares altamente especializados que aportan valor en cada una de estas áreas.
California, como consecuencia de la revolución tecnológica de Silicon Valley, es una de las zonas que alberga gran cantidad de este tipo de agencias; entre ellas cabe mencionar, Fuse- Project localizada en San Francisco, liderada por el diseñador Suizo Yves Behar, aparte de diseñar productos innovadores, funcionales y bellos, impulsa proyectos sociales que conciben productos que aportan beneficios a los más desfavorables. Un ejemplo de ello es el “OLPC XO” el ordenador portátil más económico del mundo, pensado para que los niños de los países con menos recursos económicos, puedan acceder a esta tecnología. Otra agencia de gran influencia, sin duda alguna es IDEO fundada en Palo Alto en 1991 por David. M. Kelley; esta agencia destacó por su promoción de la creatividad, desarrollando un nuevo modelo de relación interna, fomentando el trabajo en equipo, lo cual generó nuevas metodologías como el “Design Thinking”.
El ordenador OLPC-XO diseñado exclusivamente para los niños, proyecto de Fuse-Project y producido por Quanta-Computer.
Por último, quisiera destacar la evolución de los departamentos de diseño internos. En este sentido nos encontramos en 1907, el arquitecto Peter Behrens como el primer creador corporativo de la factoría alemana AEG, en la que fue el responsable de diseñar todo tipo de objetos, tipografías, carteles incluso edificios en beneficio de dicha empresa. Actualmente la mayoría de empresas, implementan departamentos de diseño en su estructura, que tienen como función principal generar ideas a partir de directrices de otros departamentos como dirección, marketing, desarrollo y comercial. Las grandes multinacionales incluso, tienen varios departamentos de diseño repartidos estratégicamente por el territorio donde se localizan, aportando productos mejor adaptados según el entorno socio-cultural donde vayan destinados. Por ejemplo cuatro de los cinco “Advanced Design Studios” de Mercedes-Benz tienen su sede fuera de Alemania. Su cometido no es seguir modas pasajeras, sino percibir tendencias a largo plazo capaces de incrementar durante decenios el valor y la promoción de los vehículos de la marca Mercedes-Benz.
Por otro lado, otro ejemplo innovador de diseño interno es el ”Creative Farm” de Adidas, el cual dispone de un centro totalmente separado de los centros de creación que Adidas tiene repartidos en Shanghái, Tokio, Portland y Alemania. Este centro denominado “Creative Farm” situado en el corazón de Brooklyn, Nueva York, está únicamente especializado en el diseño de modelos avanzados de zapatillas, los diseñadores experimentan con nuevas tecnologías y proyectan modelos en base 2-o 3 años vista.
Su método de trabajo, lo tienen bajo llave, por eso hay muy poca información en los medios.
Adidas Futurecraft Strung Shoe,tejido robóticamente para adaptarse al cuerpo y necesidades del atleta.
El diseño de producto es una disciplina que a medida que van pasando los años va generando sinergias con otras disciplinas y de manera irrefutable va evolucionando en paralelo a la sociedad y al compás de la industria, generando nuevos campos de creatividad que ofrecen un sin fin de posibilidades.
Jordi Pla
Diseñador Industrial y Director del Máster Online en Diseño de Producto de LABASAD.
La próxima convocatoria del Máster es en Mayo de 2021. Si quieres más información sobre el Máster Online en Diseño de Producto puedes mandar un correo a [email protected] ¡Y nuestras asesoras estarán encantadas de atenderte!
Cuando dije en mi casa que quería estudiar fotografía me preguntaron -¿Por qué quieres estudiar algo que todo el mundo puede hacer sin estudiar?- Una pregunta tan arrolladora que con dieciocho años sólo pude responder “porque sí”. Ahora con cuarenta, y más de quince años dedicados al estudio y desarrollo profesional de la fotografía puedo responder con todo los argumentos.
No se puede negar, y menos hoy en día que todo el mundo puede fotografiar sin estudiar. Pero ni hace veinte años ni ahora es fácil crear fotografías que comuniquen y expresen. Fotografías que nos hagan mirar, ver y pensar.
La fotografía siempre ha sido una forma de expresar lo que pensamos y lo que sentimos en imágenes. Y no sólo eso, la fotografía es la herramienta perfecta para contar historias, generar narrativas que nos ayuden a entender el mundo en el que vivimos y a crear el mundo en el que queremos vivir. Esa es la función de la fotografía documental.
En esos más de quince años de experiencia profesional también he dedicado gran parte a la docencia. Con todo lo que he aprendido a nivel profesional y a nivel docente en las aulas de diferentes centros de fotografía y universidades he ideado el temario del Máster Online en Nueva Fotografía Documental de LABASAD. El Máster se compone de cuatro módulos donde se adquieren todas las herramientas necesarias para hacer de la fotografía documental una profesión.
Empecemos por el principio. En el primer módulo vamos a pensar antes de coger la cámara. Para ello se elaboran las bases teóricas de la fotografía documental, quién y qué ha pensado sobre nuestro medio. En qué punto se encuentra hoy día la fotografía documental y que es eso de “Nueva Fotografía Documental”. Todo ello dirigido por el Curador en digital media de la Photographers Gallery (London), Jon Uriarte. Una vez hemos debatido y establecido un marco teórico de pensamiento es imprescindible entender la fotografía como una herramienta de visualización de conceptos y/o sentimientos. Para eso Manuel Moranta pone a nuestra disposición toda una caja de herramientas para aprender a convertir ideas y emociones en dibujos. Antes de fotografiar hay que interiorizar qué fotografía dibujar con luz y una cámara. Una vez interiorizado eso ya estamos listos para salir a disparar.
En el segundo módulo, profesionales internacionales de la fotografía documental contemporánea como son Bego Antón, Ricardo Cases, Jon Cazenave, Rita Puig Serra y Laia Abril nos explicarán su forma de trabajar y supervisarán encargos en los que tendremos que poner en práctica sus formas de entender y trabajar la fotografía contemporánea. Además nos explicarán cómo han desarrollado su carrera y su obra; cómo han encontrado su propia mirada sobre el mundo que les rodea.
El tercer módulo está enfocado a adquirir las herramientas necesarias para diferenciarnos y encontrar aquello que nos hace únicos a nivel profesional dentro de todo el océano de fotógrafos e instagramers. Pollobarba nos hablará sobre la presencia virtual de los fotógrafos en redes sociales, y Mireia Martín de la marca personal para fotógrafos, con el objetivo de utilizar las redes a nivel profesional. Desde Instragram a Linkedin pasando por Facebook aprovecharemos todo su potencial para ponerlo al servicio de nuestro trabajo. Más allá de las redes también veremos cómo trabajar los formatos fotográficos que nos permitirán que nuestros proyectos no se queden olvidados en discos duros. La dirección de arte y el diseño son las herramientas clave para aprender a desarrollar portafolios digitales, fotolibros, audiovisuales y páginas web par dar vida a nuestros proyectos. Todo ésto lo trabajaremos con profesionales como Eren Saracevic, que nos hablará de la dirección de arte aplicada a la fotografía y Iago Barreiro, que nos hablará de la creación del Portfolio digital.
Para acabar, un último módulo con una duración aproximada de tres meses para poner en práctica todo lo aprendido en el Máster en el Proyecto Final. Este módulo y proyecto lo tutorizo yo personalmente, y podré responder con todos los argumentos necesarios por qué la fotografía documental es algo que se estudia, se aprende y se demuestra trabajando, fotografiando y disfrutándola. La finalidad de este proyecto final al igual que los encargos del segundo módulo es que acabemos generando un portafolio con la calidad y el nivel suficiente para presentarlo como carta de presentación en el mundo laboral.
Toni Amengual
Director del Máster en Nueva Fotografía Documental de LABASAD y Director de Área de Fotografía de LABASAD.
La próxima convocatoria del Máster es en Mayo de 2021. Si quieres más información sobre el Máster Online en Nueva Fotografía Documental puedes mandar un correo a [email protected], y nuestras asesoras estarán encantadas de informarte.
Alejandro Masferrer, profesor de LABASAD en los Másters Online de Challenging Branding y Dirección de Arte en Comunicación, ha publicado recientemente con la Editorial Gustavo Gili el libro “Diseño de Procesos creativos: Metodología para idear y co-crear en equipo”.
Alejandro, que se define a sí mismo como Process Designer and Facilitator, es un estratega creativo con espíritu emprendedor y una vasta experiencia en cultura.
En el libro desarrolla lo que él define como “Patrones de co-creación”, se trata de una metodología para facilitar el desarrollo de los procesos creativos colectivos.
Tal y como cuenta en el libro, trabajar en equipo es algo enormemente gratificante, pero también enormemente complejo. Tras muchos años de experiencia en la facilitación de procesos de creación en grupo, Alejandro ha sintetizado una eficaz metodología que sirve de guía para evitar los habituales puntos ciegos, errores, desequilibrios y amenazas que pueden obstruir el proceso creativo y bloquear al equipo.
En el libro se responden a preguntas como:
¿Qué debemos saber para co-crear con eficacia y disfrute? ¿Qué patrones o fases de ideación en equipo se dan en un proyecto? ¿Cómo evitar problemas habituales como las actitudes muy críticas, el recelo hacia las nuevas ideas, el conformismo o la falta de motivación del equipo?
A las que da respuesta con:
Así que, si ya trabajáis en equipo o lo vais a hacer, seguro que este libro os ayudará y os aportará nuevas formas de crear con nuevas metodologías.
Gracias Alejandro por compartir tu conocimiento y experiencia, esperamos que el libro sea un éxito, y felicidades de nuevo.
Nota: El libro lo podéis encontrar online y en librerías.
1_Defínete como ser humano y fotógrafo
Soy un ser humano curioso, inquieto y con una necesidad constante de ver, aprender y conocer. Por todo eso me dedico a la fotografía, porque es la manera de vivir que me permite hacer todas esas cosas.
Como fotógrafo me gusta investigar nuevas formas y nuevas maneras de representar el mundo en el que me ha tocado vivir. Esa es mi forma de unir mi trabajo fotográfico con mis inquietudes personales.
2_Quienes son tus referentes, en general y como fotógrafos.
Tengo muchos referentes, porque me interesan diferentes campos. Pero en fotografía mis referentes empezaron siendo los fotógrafos de National Geografic. Así conocí el trabajo de autores como David Allan Harvey, William Albert Alard o Miguel Río Branco, de los que pude aprender de primera mano en talleres. A partir de ahí mis intereses evolucinaron hacia una fotografía más contemporánea con autores como Graciela Iturbide, William Eggleston, Alec Soth o Stephen Shore (por citar algunos). Sin olvidar a los clásicos como Tina Modotti, Diane Arbus o Richard Avedon. Y para acabar con referentes de mi tiempo y mi generación como son las personas que conforman el profesorado del Máster Online en Nueva Fotografía Documental de LABASAD. De ellas y con ellas he aprendido y crecido como fotógrafo. Estoy hablando de Bego Antón, Txema Salvans, Rita Puig Serra, Ricardo Cases, Laia Abril …
3_Tus últimos proyectos son muy sociológicos y políticos, ¿es lo que más te interesa?
Si estudias a fondo el trabajo de todos los referentes que he nombrado anteriormente te darás cuenta de que tienen en común que su tema principal es el ser humano. Me interesa eso, cómo somos los humanos, cómo nos relacionamos entre nosotros y con nuestro entorno. Si tenemos que ponerle un nombre podríamos llamarlo sociología y/o política. Me interesa eso, como nos relacionamos, cómo habitamos el planeta y buscar que tenemos en común.
4_¿En qué proyecto estás ahora?
A nivel personal y con más tiempo ando documentándome sobre varios temas que quiero desarrollar. Tengo en mente un proyecto que hable de la relación que tenemos con la naturaleza. Creo que es muy necesario trabajar sobre eso. Hemos perdido la referencia de que somos naturaleza y nos hemos posicionado por encima de esta. Esa impuesta supremacía/soberbia ha generado, a mi modo de ver, los grandes males de la sociedad actual.
No sé exactamente cómo acabará, pero estoy mirando la manera de trabajar en Finlandia sobre el tema, por ser un país en el que la relación del ser humano con la naturaleza es muy estrecha.
Por otra parte y siguiendo en esta línea, estoy trabajando en un libro con mi trabajo Necrofilia, realizado en el Zoo de Barcelona (premio Absolut Portfolios de Nuevo Documentalismo, La Fábrica 2013). Es muy necesario que nos cuestionemos estos temas, cómo nos relacionamos con la naturaleza y con el resto de seres vivos del planeta. No estamos solos, ni somos los amos y señores de la creación.
5_¿Por qué “NUEVA” fotografía documental?
Nueva no deja de ser una etiqueta, pero en este caso hace referencia a una nueva forma de entender la fotografía documental, que es la que habla de la vida. Y esta nueva forma de entender quiere plantearse nuevas formas de abordar el lenguaje fotográfico.
En palabras de John Berger, una fotografía siempre habla de tres cosas: De aquello que es fotografiado, de quien fotografía y del propio medio fotográfico. En pleno siglo XXI, cuando parece que ya todo está hecho a nivel fotográfico, cuando ya hemos hartado de hacer selfies, aún nos queda camino para desarrollar la propia estética y evolucionar el lenguaje fotográfico.
Eso es lo que hacemos con nuestro propio trabajo el profesorado del Máster, y eso es lo que queremos que aprenda y desarrolle nuestro alumnado.
6_Siendo fotógrafo, amateur o profesional, ¿por qué me puede interesar el Máster en nueva fotografía documental?
Por muchos motivos.
Porque podrás ver y aprender de profesionales en activo de la fotografía contemporánea de autor.
Porque en este Máster no sólo aprenderemos fotografía, cómo contar historias por medio de imágenes o cómo desarrollar proyectos fotográficos. Además de todo eso aprenderemos a cómo pensar en imágenes, a cómo movernos a nivel profesional para poder visibilizar y rentabilizar nuestro trabajo. Tan importante cómo la calidad de nuestra fotografía es saber donde, cómo y cuando presentarlo.
Pero sobretodo, porque generas el espacio y el tiempo para compartir tu trabajo con grandes profesionales y con el resto de alumnado. Esa es para mi la clave del desarrollo de cualquier proyecto. El hecho de rodearte de personas a las que les apasiona lo mismo que a ti es muy inspirador y motivador. Y gracias a la plataforma online/on live podemos ponernos en contacto con personas de todo el mundo.
7_Dime algunos de los fotógrafos que te acompañan en el Máster y por qué deberíamos seguirlos.
Bego Antón, Txema Salvans, Rita Puig Serra, Ricardo Cases, Laia Abril, PolloBarba o Eren Saracevic.
Son personas en activo que están desarrollando trabajos que están marcando la pauta de la fotografía documental contemporánea, a nivel nacional e internacional. No solo por lo que cuentan, sino por la forma en que lo cuentan. Y por cómo dominan y crean una mirada y una forma propia de ver el mundo por medio de la práctica fotográfica.
8_¿Fotografía y online cómo conjugan?
Creo que es la combinación perfecta. A día de hoy la fotografía es en su mayoría digital. Eso nos permite compartir, transmitir y comentar fotografías de una forma completamente fluida por medio de las plataformas online/on live. De alguna manera este máster no es más que una extensión de una práctica habitual entre colegas, que nos mandamos archivos, los comentamos y nos ayudamos a desarrollar nuestros propios proyectos. Ahora queremos compartir esta manera de hacer y crear con el alumnado que quiera también desarrollar proyectos en profundidad y buscar nuevas formas de expresar y contar por medio de la fotografía.
Descubre aquí más información sobre el Máster Online en Nueva Fotografía Documental
El jueves 20 de junio tuvo lugar la Nit ADG Laus en el Disseny Hub Barcelona, donde la Asociación de Diseñadores Gráficos y Directores de Arte del FAD, ADG-FAD, otorgan los Premios ADG Laus de Diseño Gráfico y Comunicación Visual. Es una celebración que concentra a los mejores profesionales del sector y que es una referencia a nivel estatal para conocer las propuestas de diseño más relevantes del año. (más…)
